时装大师Yves Saint Laurent于1965年推出的蒙德里安(Mondernist)裙装，标志彼时整个时代的美学体系，正式向摩登现代主义迈进。纵然在许多时装爱好者眼中，St. Laurent先生的作品本身就可以凭借其特有的轮廓与形态特征，被誉为是艺术品，但倘若没有这一次向新艺术领域的大胆迈进，这间久负盛名的巴黎时装屋，恐怕也无法在日后与Andy Warhol、PalomaPicasso等先锋艺术个体，共创出更深层的灵感对话。

　　自此开始，画家、插画师、摄影师都成为时装艺术创作领域不可或缺的“编外助力者”。虽不具备裁衣修型的能力，但深谙不同艺术体系构造方式的艺术家们，懂得如何借用自己看待世界特有的视角，将另一种“深意”，添加到他们所合作的设计师的系列中，完成了一种“1+1大于2”的合力效应。而从时下的市场反应来看，这种附加的艺术特性，也成为时装线或品牌价值的一部分。

　　在可以被追溯到的时装发展史中，第一次与艺术家暧昧牵手的是意大利传奇女性设计师Elsa Schiaparelli。生来就对占星术和表现艺术有着无比热情的Schiaparelli，与超现实主义艺术家Salvador Dali的一拍即合与惺惺相惜，在两人合力完成的“龙虾裙”上被一展无遗。一位是将超现实艺术流派的流动性质感演绎在传统晚装廓形的设计师;一位是将女性形体构造视为画面构图蓝本的“疯癫艺术家”，这两位合作的效果是带有先驱性的，甚至时至今日，还有人将这款龙虾裙装视为新女性意识觉醒的重要符号之一。

　　到了1960年，Andy Warhol为时装设计领域，带来了前所未有的振奋之气。明艳的色彩和错落有致的几何形模块，让流行艺术充斥在全球创意领域的每一个大小分支。

　　Warhol是个热爱结交朋友的人，他与Yves SaintLaurent的友谊不得不提，但正如前文所言，这一个由两人共同创造的，名为“流行文化”系列的影响力，并未随着当事人的离世而消逝。他们对彼时主流文化趋势充斥着不屑与戏谑的创作态度，更是在上世纪九十年代，被演化得更为轰烈，Gianni Versace、Jean -Charles des Castelbajac和后辈设计师Raf Simons，都深受这种艺术调性的启发。

　　倘若要细说真正属于时装与艺术两个领域的共创元年，那么2003年则是一个重要的分水岭。在此之前，被时装圈挑选合作的艺术家，几乎都是已故的大家，品牌通过各种艺术基金会进行洽谈、合作，大多是将艺术家的作品 ，通过二次印刷(r e p r i n t)，呈现在作品之上 。但在 2 0 0 3 年 之后 ，设计师们开始与更为小众或仍处于上升期的艺术家合作。Raf Simons、MarcJacobs和Miuccia Prada就是比较具有代表性的例子，从单纯的在作品立意上点题艺术家标志性的创意理念，到邀请艺术家重新创作，将艺术作品覆盖在每一寸肉眼可见的布料之上，时尚与艺术真正完成了“形”与“灵”的彼此契合。

　　在近10年间，时装圈与艺术圈最成功也最具轰动效应的一次牵手，当属Prada在2016年秋冬男装系列中，与法国艺术家Christophe Chemin的合作。这次牵手之所以广受好评，并值得被推举成两个行业之间教科书级的合作案例，既是因为Prada时装屋对新人艺术家给予的全方位的支持和创意自由，也同样是因为Chemin大胆而标新立异的美学体系，成功让高级时尚圈将其接纳并采用。自学成才的Chemin融合了超现实写意和肖像临摹两种艺术手法，将希腊神话中的大力士海格力斯、法国大革命中的圣女贞德、埃及艳后克利奥帕特拉以及好莱坞著名的“坏男孩”詹姆斯·迪恩等形象连接，构成了一种光怪陆离的错综视觉。尤其是在克利奥帕特拉与迪恩拥吻的画作中，背景中随处可见的神奇生物和宇宙星系，更是打破了Prada给人一贯的书卷气息，在街拍摄影师的镜头中成功出圈。

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　　Prada与Chemin的合作，不仅在艺术圈收获好评，印着各式画作图案的短袖T恤、连帽衫和针织作品，也在市场销售的反馈中，打赢了一场“翻身仗”，可谓是品牌在那几年掀起的第一波爆款热潮。而同样将与艺术家跨界，视作品牌身份中重要部分的还有法国时装屋Louis Vuitton。有人甚至评价，Louis Vuitton算是自千禧年来，带领欧洲高级时装领域，主动牵手全球艺术才华的“领路人”。

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　　时任女装创意总监Marc Jacobs，曾经分别邀请美国涂鸦艺术家Stephen Sprouse、日本艺术家村上隆(Takashi Murakami)、美国摄影师、艺术家Richard Prince，对品牌经典的monogram印花进行大刀阔斧的改良。每每都能不出所料的成为，众人心目中的梦幻逸品。现任女装创意总监Nicolas Ghesquiere，更是将这个传统沿袭至今，在他早期的系列中，邀请到了美国艺术家Jeff Koons在品牌经典的帆布材质上进行自由创作 ，也在一时间成为人们争相购买的I T 单品 。

　　以这种方式，顺利为自己首个系列立明、出圈的，还有前Louis Vuitton男装创意总监，现任Dior男装创意总监的Kim Jones。与美国当代艺术家Kaws合作，重新演绎时装屋经典的蜜蜂符号，重新让这间久负盛名的法国时装屋，在男装界开辟了全新格局。要知道，品牌的男装线上一次收获如此艺术与商业的双重好评，还是在青年鬼才Hedi Slimane执掌Dior Homme的时代。Jones亦是邀请Kaws创造了一个完全由玫瑰花搭建的BFF公仔装置，为自己的第一场男装大秀造势，并将其再度搬上品牌2019春夏系列的男装广告上，吸睛不说，更是重新将略带嬉闹的穿衣氛围，带入了当下男装设计的语境之中。

　　其实纵观这些双方彼此成就的例子，两个行业在当今的合作，已经从单纯的共同创作衣物，延展到更多全面的、系统和连贯的视觉呈现。无论是Raf Simons在自己任职Calvin Klein期间，与美国装置艺术家SterlingRuby共同创作的衣饰、秀场装置乃至邀请函;还是图像艺术家、FactoryRecords唱片公司艺术总监Peter Saville与Yohji Yamamoto、JohnGalliano以及JilSander等设计师们，共同合作的作品，都早已变成了很多时装人眼中的“珍藏品”。它们的意义，不仅在于为两种创意领域提供了彼此融洽的平台，这种趣味横生、高调中透着深意的时装表现手法，也让设计师得以将自己的创意才华，发挥至前所未有的高度。

　　从共同创造令人印象深刻的店面门脸、搭建渲染现场氛围的秀场装置，到在品牌广告画面之上直接创作，艺术与时尚圈的联动，正从平面的二维世界爱游戏电竞，一跃而起，变得富有生命力，饱满而鲜活。那么下一步是什么?当观众已经无法从这些创意行为中，获取新鲜的灵感和创意带来的振奋爱游戏电竞，时尚圈开始将目光投向了二次元和动漫领域，希望通过这种虚实相交的灵感碰撞，为时尚带来新的生命力。

　　如果说曾经与“小众艺术家”们联手，是传统高级时装圈塑造文化包容性的一种象征性举措，那么与动漫界的联动，则是在很大程度上，受时下消费主力群体的划分布局所致。随着Z世代和Y世代的年轻人逐渐成为奢侈品市场的主打消费力，品牌和时装屋，纷纷试图找到一种新的、能与他们产生共情的方式。有人说日本漫画凭借强大的读者覆盖面，在现今的全球文化圈层中，早已树立起了自己的标签，是有着很强的观众受众的;还有人说是因为动漫角色别致的视觉呈现，给予设计师们在塑造作品时，提供了更多发挥空间。

　　从西班牙皮革、高级成衣品牌Loewe，与动画大师宫崎骏笔下的形象龙猫的合作，到Gucci与机器猫(Doraemon)的作者藤子·不二雄，为中国新年推出的特别系列，再到鲜少参与跨界合作的老牌法国时装屋Chanel，与美国说唱歌手Pharrell和大友克洋(Katsuhiro Otomo)创作的漫画人物Akira的三方合作，这场别开生面的联名产品，起初只在品牌位于首尔的旗舰店中进行发售，但随着热度的不断飙升，在全球的Chanel店面中，受到了现象级的追捧。这一举动不仅拉近了品牌与更年轻的消费群体的关联，也为传统高级时装美学体系，注入了一丝更具多元化的新鲜血液。

　　至于两个领域，在今后还会以怎样的形式彼此启发，答案不得而知，但可以肯定的是，有艺术的地方，就一定会有人能从中提炼出时装的元素;而有时装的地方，也不会缺少有人对其艺术性的评点，两者只有在一个对等的关系中，才能不断孕育出新的灵感与启发爱游戏电竞。而这一点，仿佛早已被证言，成为了一个真实存在的命题。